5 è il numero perfetto di Igor Tuvari – recensione di Stefania De Zorzi

 

Per chi pensa che i cine-comics siano tabù per il cinema italiano, principalmente per questioni di budget, “5 è il numero perfetto” rappresenta una felice eccezione. Igort, pseudonimo di Igor Tuvari, dirige con piglio sicuro un noir partenopeo tratto dall’omonima graphic novel, da lui stesso scritta e illustrata nel 2002, in cui la povertà degli effetti speciali è giocata con intelligenza come citazione e omaggio ai fumetti e ad un certo cinema “pulp” anni Settanta.
Toni Servillo/Peppino Lo Cicero, ex-sicario in pensione al soldo della camorra, si rimette in gioco quando il figlio Lorenzo Lancellotti/Nino viene ucciso a tradimento: la morte del giovane innesca una vendetta sanguinosa, grazie a cui Peppino ha modo di riavvicinarsi a una sua vecchia fiamma, la devota Valeria Golino/Rita, fiancheggiato nella sua personale battaglia dall’amico di sempre, Carlo Buccirosso/Totò O’ Macellaio.
Il film mescola richiami visivi a “Dick Tracy” nelle fattezze esasperate, quasi caricaturali, dei protagonisti criminali, così come a “Sin City” nelle silhouette in chiaroscuro (necessariamente semplificate, per ragioni di costo) e nell’uso accentuato della voce narrante, passando attraverso la Napoli verace, nel linguaggio e nello spirito, di anime nere o ingenue ritratte alla maniera dei Manetti Bros.
Igort, nella duplice veste di sceneggiatore e regista, non si limita a richiamare suggestioni altrui, ma introduce palazzi grandiosi e diroccati fotografati da NicolaJ Bruel come una quinta da pittura metafisica, o ancora interni piccolo-borghesi e dettagli d’epoca, che lo spettatore con qualche anno in più si può divertire a riconoscere.
La trama non è particolarmente originale, e la svolta finale della storia è ampiamente annunciata, anche se viene in buona parte riscattata da dialoghi e situazioni a cavallo fra tragedia e ironia (irresistibile la rievocazione del padre di Peppino, e le sue considerazioni filosofico-morali sull’Uomo Gatto).
Nel complesso è un buon film, malgrado qualche caduta di ritmo nella parte finale, alla cui riuscita contribuiscono non poco le interpretazioni di Servillo e Buccirosso, al solito eccellenti, coadiuvati da una Golino abbastanza convincente, e da una serie di bravi comprimari.

IL PROFESSORE E IL PAZZO regia di Farhad Safinia – recensione di Stefania de Zorzi

 

“Il professore e il pazzo” è il bel titolo del film ispirato a una storia (vera) strana e affascinante, che si dipana lungo un arco di diversi anni nell’Inghilterra vittoriana. Nel 1872 il professor James Murray/Mel Gibson, linguista esperto seppure privo di titoli accademici, viene incaricato della stesura dell’Oxford Dictionary of English Language. L’opera è immane, anche perché bisogna tracciare la storia di ogni parola nelle sue sfumature ed accezioni attraverso i secoli:  un aiuto insperato arriva da William Chester Minor/Sean Penn, ufficiale e medico americano, nonché lettore onnivoro, rinchiuso per omicidio in un manicomio criminale.

Protagonista del film è il logos, la parola intesa come Verbo, principio organizzatore della realtà: Murray cerca disperatamente di catalogare e classificare una materia che per sua natura è dinamica, inafferrabile nel suo continuo mutamento, intessuta di strati sovrapposti attraverso i secoli. Chester Minor, vittima di allucinazioni e di trattamenti psichiatrici improntati di volta in volta a considerazioni umanitarie o alla barbarie sperimentale, coglie nella parola il potere di evadere da una realtà crudele e da se stesso. Nasce così un’amicizia bella e complicata fra il professore erudito e il pazzo depositario di un prodigioso sapere letterario: relazione che nel film risulta più credibile e meno incline a scivoloni melodrammatici rispetto alla storia d’amore, che determina una tragica svolta della trama nella seconda parte.
Il soggetto è interessante, sorretto da buoni dialoghi (nel primo tempo almeno, mentre il secondo si dilunga in eccessi patetici e dispute accademiche) e da attori formidabili (non solo Gibson e Penn, ma anche Natalie Dormer nei panni della vedova Merritt). Cast e sceneggiatura compensano la regia un po’ opaca di P.B. Shemran (pseudonimo di Farhad Safinia), meticoloso e di buone intenzioni, ma a tratti pedante come i filologi avversi a Murray.

Rimane comunque un film da vedere, godendo dei risvolti di una storia in cui l’assenza della tecnologia spicca rispetto al genio e alla paziente e ossessiva dedizione dei protagonisti.

E’ di conforto il messaggio del perdono che vince sul desiderio di vendetta, in controtendenza rispetto alla logica spietata da codice di Hammurabi di molto cinema contemporaneo.

ALPHAVILLE OSCARS 2020

Non siamo i soli a sostenere, qui ad Alphaville, che il 2019 sia stata una grande annata per il cinema.  Lo conferma la folta e convinta partecipazione degli “alphavillers”, mai così numerosi come quest’anno.  Per render conto della ricchezza di stimoli e proposte provenienti dai film dello scorso anno, abbiamo deciso di riportare le prime venti posizioni (di solito ci limitavamo a dieci) Chiunque scorrendo queste liste potrà scoprire titoli che gli erano sfuggiti e che val la pena recuperare, e nutrire in questo modo l’infinita curiosità e fame di immagini che caratterizza ogni buon vero cinefilo. Un amico osservava  che gli Oscar di Alphaville sono in realtà molto più credibili di quelli di Los Angeles, perché non ci sono retroscena ed interessi di sorta. Ci piace pensare che abbia ragione anche perché qui davvero la sola ragione di essere di questa classifica è la passione per il cinema e il piacere di condividerla con più persone possibili.   Classifica definitiva:     1  Joker 2  C’era una volta a… Hollywood 3   Il traditore      Parasite 4   La favorita 5   Green book 6   The Irishman 7   L’ ufficiale e la spia 8   Il corriere 9   Midsommar 10 La casa di Jack 11 Il colpevole       Martin Eden 12  Suspiria 13  Ritratto della giovane in fiamme Storia di un matrimonio 14  La vita invisibile di Euridice Gusmao 15  I Fratelli Sisters 16  Un giorno di pioggia a New York Il primo re 17  Il signor Diavolo 18  Ad Astra       Cafarnao       La belle Époque       Climax 19  Ricordi?       La paranza dei       bambini 20 I morti non        muoiono     Alberto Merli   C’era una volta Hollywood The mule La favorita I fratelli Sisters Joker Le Mans ’66 Martin Eden Il sindaco del rione Sanità Il traditore Green book   Paolo Ligutti   Parasite The Irishman Ritratto della giovane in fiamme C’era una volta a Hollywood Midsommar Il traditore L’ufficiale e la spia La favorita   Marco Zanini   Cena con delitto Joker Oro verde La favorita I morti non muoiono Avengers: Endgame It – capitolo due Parasite C’era una volta a Hollywood Il corriere   Stefania Guardincerri   Martin Eden C’era una volta a Hollywood Un giorno di pioggia a New York L’ufficiale e la spia Grazie a Dio La paranza dei bambini Dolor y gloria Parasite   Stefania De Zorzi   L’ufficiale e la spia Green Book La favorita Il traditore Le Mans 66 Il colpevole Dolor y Gloria Avengers – Endgame Captain Marvel La famosa invasione degli orsi in Sicilia Oro verde   Virginia Politi   Joker Charlie Says Il traditore Green Book Parasite Un giorno di pioggia a New York La dea fortuna Dolor y Gloria C’era una volta a Hollywood Downton Abbey   Barbara Belzini   Parasite La favorita La casa di Jack Climax Oro verde Ricordi? 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E migliori attori e attrici diventano 5 per categoria con l aggiunta di Adam Driver e Laura Dern da MARRIAGE STORY. 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1917 regia di Sam Mendes – recensione di Stefania De Zorzi

Sam Mendes è un regista relativamente poco prolifico, da cui tuttavia lo spettatore può attendersi un’interpretazione sempre originale dei canoni di genere: in 1917  non tradisce le aspettative, e confeziona un film tanto straordinario dal punto di vista formale, quanto essenziale fino alla scarnificazione nella trama e nei dialoghi.
Due caporali dell’esercito inglese, William Schofield/George MacKay e Tom Blake/Dean-Charles Chapman, di stanza in Francia nel 1917, ricevono dal generale Erinmore/Colin Firth l’ingrato compito di consegnare al colonnello MacKenzie/Benedict Cumberbatch il dispaccio contenente l’ordine di sospendere un attacco in forze contro i tedeschi, che si rivelerebbe una trappola mortale per 1600 uomini. Per portare a termine la loro missione, i due soldati devono attraversare nell’arco di poche ore una “terra di nessuno” irta di insidie.
Mendes gira tutto il film dando la parvenza di un piano sequenza ininterrotto, in cui la macchina da presa non cessa (quasi) mai di seguire i suoi protagonisti, con un unico stacco poco oltre la metà: in realtà, come dichiarato dal regista,  ci sono dei raccordi fra alcune inquadrature, che rimangono però invisibili agli occhi del pubblico. La tecnica è volta a creare diversi effetti: l’immersione totalizzante dello spettatore nella vicenda è quello forse più evidente, anche se non è da meno il gioco emotivo fra l’intensità dei primi piani sui volti dei personaggi, e l’allontanamento progressivo usando campi medi e lunghi che svelano il mondo attorno a loro, in una prospettiva che muta continuamente dal soggettivo all’oggettivo e ritorno.
Il risultato finale è quello di un videogioco estremamente sofisticato in cui i personaggi devono affrontare vari livelli, dall’Inferno dantesco delle trincee abbandonate, da cui spuntano i volti e gli arti dei cadaveri semi-sepolti nel fango, al cascinale dall’aria sinistra, al paese in fiamme, e così via fino all’ultimo, sospirato traguardo rappresentato dal raggiungimento del battaglione Devon al di là della foresta.
Luci e colori, in una commistione di richiami pittorici e tecnologici, esasperano gli effetti drammatici e un senso complessivo di irrealtà, fra il verde saturo dei campi, il bianco accecante della sabbia, il chiaroscuro denso di pericoli mortali della città invasa dai tedeschi.
Si rimane ammirati dal virtuosismo con cui Mendes dirige questa sorta di sparatutto, in cui la macchina da presa ruota attorno ai protagonisti per leggerne le emozioni o invece per focalizzarsi su un potenziale pericolo, così da dare la sensazione allo spettatore di indossare un visore tridimensionale di realtà virtuale. Al tempo stesso l’estrema semplificazione della storia e della sceneggiatura può dare adito a qualche perplessità.
Seppure il tema e la tecnica immersiva lo accomunino a Nolan, Mendes è più dalle parti di Mad Max: Fury Road, che di Dunkirk: privilegia in modo netto la forma rispetto alla sostanza, forse perché sulle due guerre mondiali è già stato detto tanto, che nel 2020 non è importante ciò che si dice sull’argomento, quanto il modo in cui lo si fa.
Il cast  annovera protagonisti bravi ma semi-sconosciuti, per scelta registica, così da non influenzare le aspettative del pubblico rispetto al carico evocativo di nomi molto noti, mentre gli attori famosi rimangono come contorno di lusso.
Alcuni momenti spiccano sopra agli altri: l’interminabile attraversamento iniziale della trincea claustrofobica e serpeggiante, affollata di uomini ammassati gli uni sugli altri (qui il precedente di Birdman è evidente), così come la malinconica, emozionante ballata cantata nella foresta: perché se la trama è scarna, il pathos e la partecipazione agli eventi narrati non mancano affatto.
Film da vedere, assolutamente al cinema.

 

L’ufficiale e la spia di Roman Polanski recensione di Stefania De Zorzi

Ogni democrazia ha i suoi momenti oscuri, in cui i diritti dell’uomo vengono negati e l’ingiustizia perpetrata, a dispetto delle dichiarazioni ufficiali: “L’ufficiale e la spia”, l’ultimo film diretto da Roman Polanski e co-sceneggiato con Robert Harris, autore del libro omonimo, è imperniato sull’affare Dreyfus, che evidenziò l’anti-semitismo latente in Francia alla fine dell’Ottocento.
E’ il gennaio 1895, e il capitano alsaziano di origini ebree Alfred Dreyfus/Louis Garrel viene condannato per alto tradimento alla deportazione sulla remota Isola del Diavolo: il tenente colonnello Marie-Georges Picquart/Jean Dujardin, promosso per l’occasione a capo dell’Ufficio Statistiche, copertura ai servizi segreti francesi, indaga su sospetti scambi di corrispondenza fra l’addetto militare tedesco in Francia e una spia, portando alla luce la fragilità del castello di prove su cui il tribunale militare si era basato per decretare la colpevolezza di Dreyfus.
Polanski passa dal campo lungo dell’ampio cortile dell’Ecole Militaire di Parigi, in cui Dreyfus viene degradato e umiliato di fronte a una folla di soldati dai volti indistinguibili, a un picnic sull’erba in stile impressionista, a piani sequenza in cui la cinepresa segue il protagonista attraverso corridoi bui e polverosi, o all’interno di appartamenti eleganti e decadenti.
Il film è un piacere per gli occhi, per i movimenti di macchina così come per l’attenzione meticolosa alla ricostruzione degli ambienti, dei costumi, dei volti ritratti dalle foto e dalle illustrazioni dell’epoca, ma non solo: è un thriller dal ritmo serrato, in cui poliziotti ed agenti segreti utilizzano in modo pionieristico appostamenti, fotografie a distanza, ricatti a sfondo sessuale, perizie calligrafiche scientificamente (in)fondate per giungere alla verità o al contrario per forzarla e manipolarla.
E’ anche la storia del ruolo svolto dall’informazione e dagli intellettuali (in questo momento storico viene pubblicato il famoso “J’accuse” di Zola sul quotidiano L’Aurore) rispetto alle macchinazioni di un’élite militare e giudiziaria disposta a tutto per occultare i propri sbagli, frutto di pregiudizi radicati: ed è soprattutto la rivelazione di un sentimento anti-semita frutto di invidia e di un antico rancore che corrode, talvolta in modo inconsapevole, gli animi sia dei potenti che di buona parte del popolo francese all’epoca della Terza Repubblica.
Polanski intreccia con consumata maestria alcuni dei temi già affrontati nel suo cinema precedente: il passato come  richiamo doloroso e inquietante al presente, i demoni serpeggianti sotto il perbenismo ipocrita, la civiltà che si frantuma in situazioni kafkiane.
Il protagonista Dujardin primeggia su tutto il cast, con un’interpretazione misurata e appassionata al tempo stesso; supportato egregiamente dagli odiosi generali Gonse/Hervé Pierre e Billot/Vincent Grasse, così come dall’ambiguo maggiore Henry/Grégory Gadebois, o ancora dal cialtronesco Bertillon/Mathieu Amalric.
Girato in modo preciso senza pedanteria, talentuoso senza auto-compiacimento: sicuramente uno dei migliori film dell’ann

Joker – Un manifesto rabbioso e mirabile di cinema anti sistema – recnsione di Marco Zanini

Anno: 2019

Titolo originale: Joker

Paese di produzione: USA

Genere: drammatico, thriller

Regia: Todd Phillips

Produttore: Bradley Cooper, Todd Phillips, Emma Tillinger Koskoff

Cast: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Glenn Fleshler, Bill Camp, Shea Whigham, Marc Maron, Douglas Hodge, Leigh Gill, Josh Pais, Brian Tyree – Henry, Dante Pereira Olson

Nella Gotham City del 1981 Arthur Fleck si guadagna da vivere facendo il pagliaccio, ma il suo sogno è diventare un comico e avere successo come il suo idolo Murray Franklin, conduttore di un programma televisivo. Arthur vive con la madre Penny, è depresso da anni e soffre anche di un disturbo che gli scatena improvvisi eccessi di risa. Nonostante questo e il suo desiderio di diventare cabarettista, è privo di qualsiasi talento comico e la sua figura trasmette per lo più tristezza. Quando Thomas Wayne si candida sindaco, mentre vengono tagliati i fondi per l’assistenza sociale, Fleck si trova totalmente abbandonato ed alienato. La situazione precipiterà sempre di più, ma nonostante le difficoltà riuscirà a risvegliare dentro di sé un coraggio oscuro che finalmente darà un senso alla sua vita.

Il Joker è diventato ormai un’icona, non solo delle vignette, ma anche del grande schermo. Tutto questo grazie anche agli straordinari interpreti che ne hanno vestito i panni, a partire da Jack Nicholson, passando per Heath Ledger, per arrivare a Jared Leto. Joaquin Phoenix non è stato da meno e il suo villain pittato, grazie al lavoro di sceneggiatura e regia di Todd Phillips, vanta una profondità mai vista prima.

Joker (Joaquin Phoenix) si allontana mentre nella metro scoppia una rivolta contro le forze dell’ordine.

Se quello che siamo sempre stati abituati a vedere di Joker è la sua natura terroristica bidimensionale e manichea, con questo spin off apocrifo rispetto alla saga DC, abbiamo il ritratto di un individuo pericoloso ed instabile creato da una situazione familiare disastrosa e da un passato a lui sconosciuto, continuamente vessato o ignorato dalla società. Phillips senza paura utilizza un personaggio storicamente etichettato in negativo dal pubblico per evidenziare l’atavico disinteresse che il nostro sistema nutre nei confronti dei diversi e le discriminazioni verso i malati di mente, considerati come l’ultima ruota del carro. Joker prima di diventare il re di quella Gotham oscura e immersa nel fuoco e nelle urla del terrore, è un clown che viene picchiato dai ragazzini e dagli yuppies, vittima di abusi minorili, inconsapevole della sua condizione infantile e costretto a vivere senza uno specialista con cui poter parlare. Thomas Wayne, padre di Bruce – Batman, è un miliardario senza scrupoli, devoto solo alla sua ricchezza e pronto ad incrementare l’odio verso gli emarginati. Dopo questo film non saremo più in grado di vedere il mito di Batman con gli stessi occhi. La Gotham in cui Arthur Fleck cade e si rialza per diventare simbolo degli indesiderati è una città sporca, opprimente e puzzolente, inquadrata perfettamente da una fotografia che ne risalta gli antri meno confortevoli e allegri. Metropolitane oscure in odore di omicidio, scalinate infinite e desolanti, vicoli pieni di spazzatura bagnata. Phillips tende i fili di uno spettacolo tetro e raramente così negativo nella storia dei supereroi, ma di fatto questo Joker del mondo dei supereroi non ha quasi niente. Bruce Wayne non è ancora Batman, è solo un infante, ma ha il suo primo incontro con quello che diventerà uno dei suoi nemici più famosi, che cercherà per giunta, con un’azione folle e scriteriata, di fargli capire di non essere dalla parte del torto.

La regia, portata a compimento da un cineasta che fino ad oggi aveva vissuto per lo più di commedie (suoi i vari Una Notte Da Leoni, insieme ai divertenti Old School e Starsky & Hutch), sorprende e confeziona un film di spessore tecnico e di contenuti, capace di andare dritto al punto in maniera incredibilmente genuina e umana. Il confronto tra Arthur e Thomas Wayne, così come il finale nello studio televisivo di Murray Franklin, diventano immediatamente scene da manuale del cinema anti sistema. Per quanto riguarda Joaquin Phoenix, siamo al cospetto della prova principe di un mostro della recitazione, in ginocchio di fronte al volere della telecamera che ne mette in scena la struggente espressività e la sconvolgente fisicità contorta e spolpata. Un passo più in là di V Per Vendetta, Joker brucia sulle nostre retine una vendetta intima ed emozionante nei confronti del nostro mondo ingiusto che viene messo di fronte a due verità: o si cambia al principio o le conseguenze potrebbero essere devastanti.

Zanini Marco

JOKER di Todd Phillips recensione di Carlo Confalonieri

Salti mortali temporali del Cinema.

Il futuro pare il presente e il presente è già futuro.

Accadde in BLADE RUNNER di Ridley Scott, FAHRENHEIT 451 di Truffaut, 1997 FUGA DA NEW YORK di John Carpenter e in QUINTO POTERE di Sidney Lumet.

Accade ora nel meritatissimo Leone d’Oro di Venezia, che parte da una rivisitazione futuristica del malvagio di Gotham City – ridotta a un cumulo di rifiuti anche umani – e arriva a parlare del nostro tempo.

JOKER è il nome d’arte che sceglierà Arthur Fleck alla fine di un percorso di soprusi, violenze, abusi, privazioni pubbliche e private ai danni della parte debole di una società spaccata in due.

I ricchi e i reietti a cui è negato tutto, bollati come diversi, confinati fra i sacchi d’immondizia di una metropoli simile alla NY anni 70 (che l’invasione dei topi traghettano in un nuovo medioevo futuristico) e l’ospedale psichiatrico come meta finale della diversità.

Da tale terreno subumano nasce il male, ma è il male prodotto da un altro male, quello del potere del denaro, della TV con il suo spettacolarizzare e ridicolizzare  ogni cosa ogni disgrazia ogni sofferenza, persino la malattia mentale (Alda Merini al Maurizio Costanzo Show), dell’economia predatoria che ha privato di tutto.

Su questo sfondo cupissimo ci arriva la risata stridula di Arthur ma è un grido di dolore, un disturbo neurologico, un delirio sonoro.

Compatto e avvolgente il magnifico film di Todd Phillips è come un viaggio ovattato in un incubo a occhi aperti, nel degrado psicologico e morale di un futuro che è specchio deformato e perfetto dell’oggi.

IL CINEMA COME ARTE SOVVERSIVA è il titolo dello splendido saggio di Amos Vogel e calza a pennello per JOKER,  l’opera più sovversiva dei nostri tempi addormentati.

Un grido che arriva dal basso, da NEL FONDO di Maxim Gorki (storica la messinscena di Giorgio Strehler) e si trasforma in un’esplosione di violenza e follia che non riconosce più le vittime e i carnefici.

Dove il collettivo e il politico non esistono più (come dirà Arthur/Joker a Robert De Niro che davanti alle telecamere vorrebbe umiliarlo per l’ennesima volta), resta solo il singolo e la sua disperazione inascoltata.

La risata terrificante, il viso martoriato, il corpo ridotto ad ammasso di ossa e nervi, le piaghe Cristiche, le movenze da teatro Kabuki appartengono a Joaquin Phoenix che le imprime indelebili su Arthur.

Il più grande  attore  vivente, che in MARIA MADDALENA interpretò Cristo e interpreta qui un altro Cristo.

Un Cristo nato dal male, elevato dagli ultimi a simbolo della loro disperazione.

Con quel sorriso rosso sangue, che entra sin da ora nel Cinema trasgressivo di senso e profondità.

Senza sconti, senza freni, come la materia di cui son fatti i sogni.

Soprattutto i peggiori.

 

Ad Astra di James Gray recensione di Stefania De Zorzi.

 

Impavido, vulnerabile, il volto stropicciato dagli anni: in contrapposizione ai teen-ager dotati di super-poteri, Brad Pitt segna il ritorno dell’eroe adulto e minato da umane fragilità in “Ad Astra”, film diretto e in parte sceneggiato dal talentuoso James Gray.
In un futuro prossimo, Roy McBride/Pitt è l’astronauta prescelto dal Comando Spaziale degli Stati Uniti per andare su Marte e da lì inviare un messaggio fino a Nettuno. Fra gli anelli del lontano pianeta orbita l’astronave del Progetto Lima, guidata trent’anni prima dal padre di Roy, H. Clifford Mc Bride/Tommy Lee Jones, e da essa si irradia un “picco” che provoca devastanti tempeste elettriche sulla Terra.
Il film è la storia di un viaggio, tema tipico della fantascienza classica: dalla Terra alla Luna, poi su Marte, fino al remoto Nettuno, ai confini del sistema solare; attraverso l’avventura interplanetaria si rivela anche il percorso interiore del protagonista, abbandonato dal padre in nome della scienza quando era ancora un adolescente.
Il primo tempo scorre fluido, con soggettive vertiginose da un’impossibile torre di metallo alta chilometri, o sospesi nel vuoto cosmico, fuori dal comfort protettivo e claustrofobico della navicella. James Gray realizza una fantascienza dall’impianto realistico, e dà il meglio di sé nelle sequenze esplorative e avventurose, come nella rincorsa dei rover sulla Luna, o nell’ingresso carico di tensione nella stazione spaziale norvegese. Gli astronauti perdono temporaneamente volto, mentre il visore diventa lo specchio deformante di ciò che li circonda. E’ il  futuro, ma non troppo distante: le astronavi mantengono le forme riconoscibili di razzi e capsule, mentre sulla Luna l’uomo ha ricostruito, ironicamente, una banale attrazione turistica simile a tante altre sulla Terra, con gadget e centri commerciali.
Fin qui tutto bene: peccato che nella seconda parte il ritmo rallenti vistosamente, fra i verbosi flussi di coscienza del protagonista e l’incontro con la tanto sospirata figura paterna, che dovrebbe essere commovente, e invece risulta quasi grottesco. Gray nega ogni sorpresa allo spettatore sia nella trama che nella psicologia dei personaggi, affogando l’avventura spaziale in un imbarazzante e scontato apologo morale.
E’ un film che ricorda Two-face, il personaggio del fumetto di Batman, per metà bello e per metà sfigurato, su cui pronunciare un giudizio complessivo risulta difficile. Per fortuna che c’è Brad Pitt, il cui viso affascinante e mobile è ripreso in intensi primi piani dall’inizio alla fine: in modo ridondante e irresistibile.

– E poi c’è Katherine – di Nisha Ganatra recensione di Stefania De Zorzi

 

Ogni epoca ha i suoi giullari, che intrattengono il popolo con scherzi sofisticati o grevi, spietati tanto con le cattive abitudini del loro tempo che con le proprie debolezze, in auge o presto in disgrazia a seconda dei mutevoli gusti del pubblico.
“E poi c’è Katherine” ha come protagonista un giullare contemporaneo, Katherine Newbury/Emma Thompson, dispotica conduttrice di un noto talk show che i responsabili del network, a causa del calo di ascolti, hanno deciso di sostituire a fine stagione. L’unica speranza per lei di rimanere è quella di rivitalizzare forme e contenuti di uno spettacolo fiacco e invecchiato, così da riguadagnare i favori popolari: ne sarà fautrice la neo-assunta Molly Patel/Mandy Kailing, dotata di un insospettato talento comico e soprattutto di uno sguardo “esterno” rispetto ad un mondo televisivo troppo ripiegato su se stesso.
Nisha Ganatra dirige una commedia brillante, che mette alla berlina le idiozie virali dei social e la volgarità di bassa lega di certi comici di successo, ma anche la rigidità sterile di chi disprezza il proprio tempo dall’alto di standard così elevati, da divenire astratti e noiosi. La regista è brava a evidenziare le contraddizioni della cultura occidentale in pieno ventunesimo secolo: la squadra degli autori è tutta al maschile per espressa volontà di Katherine, che odia lavorare con altre esponenti del sesso femminile; allo stesso modo Molly viene assunta non per le proprie competenze o capacità, ma solo perché donna, e di chiare ascendenze indiane. Il sesso, l’età, il colore della pelle sono armi a doppio taglio in una società che ama mostrarsi migliore di quello che è.
La sceneggiatura, scritta dalla co-protagonista Mandy Kailing, mescola con arguzia “Il diavolo veste Prada” (sebbene il personaggio di Katherine sia visto in chiave più comica rispetto alla temibile Miranda Priestly), “Ugly Betty” (America Ferrera e Mandy Kailing condividono fisicità prorompente, dolce determinazione, abbigliamento anti-convenzionale) e “The Office”, negli scambi cialtroneschi fra colleghi.
Dialoghi scoppiettanti e situazioni al limite del surreale si inanellano per buona parte del film a ritmo serrato, scivolando nel secondo tempo verso un finale un po’ prevedibile. Tutto il cast è strepitoso, dalla divina Emma Thompson (in lingua originale l’accento British esalta lo snobismo ironico del personaggio) alla simpatica Mandy Kailing, fino all’irresistibile squadra di autori, capitanata da Tom Campbell/Reid Scott e Charlie Fain/Hugh Dancy: le sequenze in sala riunioni sono da antologia, fra le più spassose viste al cinema negli ultimi anni.

IGGY POP – “FREE” recensione di Paolo Rosati

Osservate l’interno della copertina dell’album e il vostro sguardo incontrerà l’immagine di un uomo che vi scruta, comodamente seduto al tavolino in un giardino.

L’uomo è avanti negli anni, le rughe sul viso sono come i segni che il tempo ha lasciato sul legno di una quercia antica, che ha resistito ad ogni stagione e a tempeste violente.

Mettetevi comodi. Ascoltate tutto l’album.

E soprattutto sgombrate la mente da un equivoco: questo disco non ha NULLA a che fare con Blackstar di David Bowie.

In quell’album un sassofono selvaggio e struggente accompagnava l’ultimo volo di uno spirito che si preparava al grande salto verso l’eternità o verso il nulla, a seconda dei punti di vista.

In questo disco potete ascoltare la magia del suono di una tromba che colora di immenso le atmosfere a tratti tese e a tratti dilatate di una narrazione musicale che racconta il raggiungimento del punto di equilibrio della vita di un uomo.

Non solo.

La presenza tangibile che si fa evidente nel testo di una canzone è quella del più grande rocker della storia, Lou Reed.

E se vogliamo trovare qualche similitudine musicale  occorre andare a “The Raven”, capolavoro di Lou Reed ancora sconosciuto per il grande pubblico che si bea di immagini e di facili idolatrie, anziché ricercare l’essenza più intima di una vera arte che nel rock è presenza e forza motrice.

Un album incredibile “Free”.

Intenso, a tratti intimamente feroce, a tratti intimamente ironico, cosparso di nostalgia e di dolcezza, intriso di una forza che sconvolge e conquista, la sublimazione di un artista che finalmente dovrebbe essere riconosciuto per chi è e non perché amico di qualcun altro.

La musica è la fusione calda di jazz, ambient, pop, rock, mainstream, poesia e teatro.

Iggy Pop esibisce una voce che mette i brividi: egli canta e recita, ti prende per mano con la forza delicata di un accompagnatore che ha il compito di farti da cicerone in una piccola galleria d’arte.

L’intensità e il calore del canto diventano il lento ma impetuoso racconto in un brano come “We Are The People”: Iggy recita Lou Reed, la sua voce è ferma, le sillabe delle parole sono come strali luminosi, i versi vengono scanditi con la delicatezza e la devozione verso un fratello, il cui ricordo diventa presenza. La tromba accompagna la recitazione insieme al pianoforte. Non ho parole per descrivere tanta bellezza, se non ammettere una profonda commozione.

“Free” è come l’alba dopo una lunga notte, una luce che si scorge alla fine di un tunnel, una scintilla dentro il buio di una caverna oscura.

“Free” è un album bellissimo, enorme, che incanta e affascina.

“Free” è la musica popolare del XXI^ secolo che trova la sua perfetta incarnazione nell’ultimo rocker vero e genuino.

“Free” è la compenetrazione perfetta fra la musica e l’interpretazione dell’artista. Un album come questo dovrebbe diventare l’esempio della perfezione di ciò che oggi si intende come musica contemporanea, intendendola aperta ad ogni contaminazione.

“Free” è la contaminazione perfetta.

Iggy Pop è oggi il più grande interprete di un genere che dopo essere diventato adulto vira verso la maturità. Se “Post Pop Depression” fu il capolavoro dove il rock celebrava la propria bellezza, “Free” è il canto di uno spirito ribelle che trova finalmente la propria libertà e la canta con l’ entusiasmo e l’immediatezza di un bimbo e la saggezza tranquilla di un vecchio.

Osservate lo sguardo dell’uomo seduto al tavolino nella cover interna del disco.

Troverete la pace.